NOTA DE PRENSA

DIARIO PERFIL, Cultura

DOMINGO 3 de NOVIEMBRE DE 2013.

Fragmentos de una sensibilidad/  por Laura Isola

Los cuadros de Paola Vega son como las nubes. Por un lado, comparten con ellas su morfología dual: son robustas y llenas de materia pero sabemos que podemos atravesarlas como el aire y bajo su apariencia esponjosa y densa no podrían soportar peso alguno y lo dejarían caer. En la serie de pinturas que Vega exhibe en la galería Daniel Abate pasa lo mismo. Son cuadros de gran formato que han sido realizados veladura tras veladura de colores tenues y apastelados. A pesar de que se nota que ha puesto capa sobre capa, muchas, en ningún momento, la consistencia del óleo se vuelve pesada. Por el contrario, aún en sus enormes dimensiones, las pinturas se sostienen con la levedad de una pluma o de una nube. También son como ellas porque pertenecen, al menos, a dos sistemas interpretativos. En el caso de esas formaciones de la atmósfera pueden ser explicadas por la meteorología que les dará sus nombres científicos (cumulus, stratus, nimbus y cirrus) y por la imaginación. Las nubes, como las manchas de humedad, son propiedad de los que imaginan de manera amateur. En ese mismo sentido, sus cuadros pueden analizarse con las referencias que se aluden a la historia del arte y al mismo tiempo, librarse de ellas; dejar que el delirio imaginativo se ponga en marcha. En cuanto, al modo que Vega hace dialogar sus obras con otras es bastante sutil y derivado. Por ejemplo, maneja en esta serie una paleta de colores muy suaves y casi impresionistas: rosados, celestes, grises. Por momentos, cada pieza podría ser un fragmento de otro que fue trabajado en un close up furibundo. Como si quedara un pixelado enorme o el efecto que tenemos cuando entrecerramos los ojos y las pestañas nos empastan la visión. Frente a esos colores que parecen salidos de un cielo de Claude Monet, Vega le opone la abstracción más dura de un Mark Rothko. Esa cita es bastante explícita en tanto la tela en forma de rectángulo que utiliza le viene directamente de este pintor y la forma de cubrir la superficie con capas finas, diríamos que igualmente. Entonces, construye un “impresionismo abstracto” o “abstracción impresionista” para dar cuenta de su propio estilo. Si bien esta artista que nació en Bahía Blanca viene haciendo un itinerario por los caminos de la abstracción, esta reciente producción se radicializa, en sentido que sus cuadros prescinden de un punto de apoyo referencial. “La posibilidad”, pensaron con Verónica Flom, curadora y autora del texto que acompaña a la exhibición, que sería un buen título. Justamente por esa noción misma de alternativa que da la palabra. Un poco enigmática, tal vez, porque la posibilidad viene acompañada y se completa la frase con el “¿de qué?” Como con las nubes, cada espectador podrá dar la suya propia. En la sala hay un banco que es vital para completar la experiencia de la obra. Hay que sentarse, en analogía a tirarse panza arriba para adivinar las imágenes que construyen las nubes, y dejarse llevar por lo que se ve. Se recomienda no oponer resistencia para que el ojo vaya y venga, venga y vaya y conecte con lo que nos pasa al momento de percibir los colores y las leves formas que se agazapan entre los trazos. Para tener en esas manchas todo cuanto uno quiera. Que como en el cuento “La mancha de humedad” de Juana de Ibarbourou pueden ser montañas echando humo, pipas de cristal que fuman los gigantes, río y selvas y hasta oír cómo chillan los monos y gritan los guacamayos.

NOTA DE PRENSA 

REVISTA LOS INROCKUPTIBLES

http://www.losinrocks.com/artes/resena-la-posibilidad-muestra-de-la-artista-paola-vega#.UpK_B8RLMXE

05/11/13 ARTES

Otros focos

Las telas abstractas de Paola Vega invitan a la contemplación reflexiva y reafirman la acción de pintar per se. / Por Lara Marmor.

Tres enormes pinturas abstractas de colores pastel ocupan casi toda la pared principal de la sala. Como en los antiguos salones franceses, hay un banco para contemplarlas y sentir su fuerza de atracción, casi magnética. En cada cuadro se ven las huellas de una pincelada regular y corta que se desplaza de arriba a abajo y viceversa. Para pintar, Paola Vega sube y baja de una escalera, como en un ejercicio de step de bajo impacto, para alternar rosas, amarillos, azules, verdes pálidos con zonas blanquecinas. Cada obra se termina luego de largas semanas de trabajo, cuando la artista cubre la superficie hasta con cincuenta capas de pintura. El resultado de este extenuante procedimiento performático es una imagen atmosférica como la de las pinturas de Rothko, espectral como el manto de Turín y borrosa como las pinturas de Richter.

Sin miedo a abandonar el tradicional soporte del bastidor por la pintura expandida, las piezas borran la arquitectura que las rodea; sin alinearse con parte de la pintura de la escena actual, deliberadamente incompleta o de mal gusto, las obras de La posibilidad, emparentadas con la rama lírica o expresiva del abstraccionismo, reivindican el savoir-faire del oficio del pintor. Empapada de asociaciones históricas, las obras sin título, temas, ni elementos figurativos (presentes en series anteriores) son el resultado de la acción hedonista de pintar, y su valor está en cada imagen per se, en su capacidad de evocar sensaciones e impresiones.

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Con manchas y chorreaduras a la vista, sorprende la tela agarrada al marco del bastidor con extrema tensión, a pesar de la cantidad de materia que soporta. Los tres lienzos, tiesos como la piel joven, revelan la vitalidad de las moléculas que los componen, y dejan ver, como ocurre con los craquelados de los cuadros cubiertos de polvo en los museos, que la pintura no solo tiene vida y es mutante, sino que sigue viva a pesar de su reiterado anuncio de muerte.

Con curaduría de Verónica Flom, La posibilidad es parte de grupo de exposiciones colectivas e individuales que en los últimos años muestran, piensan y reivindican a la pintura en todas sus variables. Además, interesada en hacerle lugar a la pintura como disciplina y a las mujeres en el mundo del arte, Vega fundó en 2009, junto a Adriana Minoliti, una plataforma de trabajo para realizar exhibiciones e intercambiar ideas llamado Pintoras.

Sentado en el banco, entre las manchas de color, el espectador se siente como en un remanso, un lugar donde reaparecen, como si fuese el principio de un cuento, las palabras de Gumier Maier cuando casi un cuarto de siglo atrás pensaba en los avatares del arte y nos contaba que “en el saturado y vibrante paisaje del mundo, la pintura se ha desleído. Como un fénix fatigado, es necesario sostenerla en cada escena, en cada aparición. Pero es gracias a esta negatividad, a su insistente capricho, que es capaz, a veces, de recuperar su aliento sagrado”. Esto es La posibilidad.